CULTURA
Sonido de la libertad (Sound of freedom), tiro en el corazón de la mafia del poder mundial: Expone entrañas de la red de tráfico sexual
Silvia Palacios y Lorenzo Carrasco //
El título de la película más polémica e impactante del año ya tiene dueño: “Sound of Freedom”, del director mexicano Alejandro Gómez Monteverde y su compatriota Eduardo Verástegui y la estrella estadounidense Jim Caviezel como los productores ejecutivos. Caviezel, quien interpretó a Jesucristo en la célebre película “La Pasión de Cristo” (2005) de Mel Gibson, también es el protagonista de la historia real del ex agente del Departamento de Seguridad Nacional de Estados Unidos Tim Ballard, quien abandonó esa entidad y creó una organización para rescatar a víctimas de la trata de niños para explotación sexual en Colombia.
Con un presupuesto relativamente bajo de $ 14.5 millones de dólares, la película ya ha recaudado más de diez veces esa cantidad solo en los Estados Unidos, donde tuvo un estreno espectacular el feriado del 4 de julio, rebasando las grandes estelares que tradicionalmente aparecen el día en que los norteamericanos celebran su independencia. Por ahora se está negociando su proyección en numerosos países.
La razón principal de la controversia que ha rodeado a la película es el hecho de que expone las entrañas de la compleja red de tráfico sexual infantil, prostitución y esclavitud cultivada y mantenida por los sectores más degenerados de la oligarquía angloamericana.
Por cierto, los productores de la película, que se presentará en el Capitolio de Washington, han anunciado su intención de pedir al Congreso que dé a conocer la lista de personajes que visitaron las tenebrosas islas caribeñas de Little St. James y Great James, donde el magnate degenerado Jeffrey Epstein -asesinado en un mal explicado «suicidio» en una celda de máxima seguridad- protagonizó sus odiosas bacanales donde la diversión era alimentada por una enorme red internacional dedicada al tráfico sexual de niños y adolescentes de ambos sexos.
Si bien se conocen algunos miembros notables de la lista, su publicación ha sido bloqueada ya que involucra a figuras del calibre del ex presidente Bill Clinton, de banqueros de Wall Street y de familiares de la realeza británica. Aunque la trayectoria de Epstein ya ha sido retratada cinematográficamente, “Sound of Freedom” ha revivido el interés en el tema.
Para lograr esto, sus productores tuvieron que abrirse camino entre las grandes corporaciones que dominan el mundo del cine de Hollywood, la otrora productora de cine infantil Disney, Netflix, Amazon y otras, que rechazaron abiertamente cualquier participación en el proyecto. Igualmente, más de 20 actores de primer nivel fueron consultados y rechazaron el papel del protagonista.
A pesar de las dificultades, la película, que denuncia el modus operandi y los tentáculos de la mafia que explota el tráfico sexual de niños, atrajo multitudes a los cines estadounidenses, incluso compitiendo con éxitos de taquilla como “Indiana Jones y la llamada del destino”, “Misión Imposible – ajuste de cuentas”, “Barbie” y “Oppenheimer”, todos realizados con presupuestos de un orden de magnitud superior.
Y ni que decir del recibimiento mordaz de la crítica cinematográfica, Washington Post, Rolling Sones, The Guardian, que, en un intento por acallar el contenido de la denuncia, la acusan de ser una mera teoría de la conspiración propia de un auditorio formado por los “baby boomers” norteamericanos.
Coincidencia, o no, a pocos días de haberse estrenado, el Departamento de Justicia de Estados Unidos removió silenciosamente secciones de su sitio de Internet relacionadas con el tráfico sexual de niños, tanto nacional como internacionalmente, incluyendo una que daba información sobre menores estadounidenses que son “reclutados y explotados” por la industria comercializadora de la actividad sexual. La entidad no dio ninguna explicación al respecto.
El propósito que hizo posible la realización de la película es desatar un movimiento de indignación y protesta frente al tenebroso y aborrecible hecho del intenso comercio infantil sexual entre México y Estados Unidos; pero que, en definitiva, está incrustado en una cultura hedonista de la que participa sin recato el mundo cinematográfico, donde la diversión se centra en la degradación de la sexualidad humana.
Esa tendencia, sin embargo, no se restringe únicamente a este ambiente y a los espectáculos afines, sino que se extiende a una cultura que se generaliza; ahí tenemos la denominada ideología de género, la vertiente “woke”, el programa LGBTQI+ y otras corrientes que arrancaron con la denominada “new age” (nueva era).
Decir que los valores morales se desprecian ya no parece ni novedoso ni motivo de alarma. Todo esto se inscribe en una época en que la mafia internacional del poder subsiste galopando en la peste de la usura encumbrada en la globalización financiera, cuya ambición de hegemonía ahoga a las naciones, desata la violencia, la pobreza, las guerras, el control de recursos, y una política deliberada para enterrar en los museos el tesoro de los principios de la cultura cristiana occidental.
En las relaciones internacionales, además del belicismo, comienza a prevalecer la diplomacia LGBTQI+ impuesta para sustituir la cultura de las naciones. Para citar un caso sangriento veamos a Ucrania. Agobiada por una guerra sustituta de la OTAN, se le impone que incorpore las normas LGBTQI+ en sus leyes y hasta en el ejército que combate en el frente de batalla; condicionamiento para ser aceptada en la caricatura de la democracia y seudo cultura occidental. En contraste, no ha habido hasta ahora, ninguna manifestación que indique preocupación para acabar con la férrea cadena del tráfico internacional de niños de la cual ese país es un eslabón de gran importancia.
Con “Sound of Freedom”, Eduardo Verástegui, Jim Caviezel y Alejandro Gómez Monteverde dispararon un tiro al corazón de una mafia de poder secular que se comporta siguiendo la creencia de la sodomía superior (high sodomi) ensalzada en la Inglaterra victoriana y colonial por John Ruskin, mentor de una plétora de altos oligarcas imperialistas del calibre de Cecil Rhodes y otros.
Esto se traduce en una cuestionable «lealtad» a una red de sociedades secretas que gobiernan estructuras de poder mundial, inspiradas en la eugenesia, el maltusianismo, la predestinación y el excepcionalismo, convicciones que motivan los actos de los culpables del tráfico global de niños denunciado por la película.
Ante esto, la aceptación de Sound of Freedom entre la ciudadanía es aquel grito ahogado que busca salir para rescatar la dignidad inalienable del ser humano, sonido por ahora expresado en EUA, primer país que la transmitió, y en la infinidad de redes sociales del mundo que se manifiestan. Estamos en el comienzo de una revuelta mundial contra esa élite perversa.
CARTÓN POLÍTICO
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LAS NOTICIAS PRINCIPALES:
Crónica de una semana tensa en la UdeG: La rebelión estudiantil que desafía a la FEU
– Conciencia en la Cultura, por Luis Ignacio Arias
Los Premios Ariel, máximo reconocimiento de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) se entregarán el 20 de septiembre. Por tercer año consecutivo, Jalisco ha sido la sede de los Premios Ariel, en esta ocasión se celebran en Puerto Vallarta.
La AMACC impulsa una política de itinerancia para que los Ariel dejen de celebrarse exclusivamente en la Ciudad de México, buscando y fortalecer la conexión entre la industria cinematográfica nacional y los diversos estados. Jalisco ha mostrado una receptividad notable a esta política, ofreciendo no solo capacidad logística e infraestructura adecuada, sino también apoyo institucional y económico.
A través de la Secretaría de Turismo y FILMA Jalisco, el estado ha otorgado incentivos para atraer producciones, políticas públicas de cine y recursos concretos para la realización de la ceremonia, como los más de 10 millones de pesos destinados a la producción del evento 2025. Además, la elección de Puerto Vallarta como sede se vincula con un interés estratégico por consolidar un polo cinematográfico dentro del estado.
Con apoyos como el “cash rebate”, la comisión de filmaciones y la existencia de festivales de cine consolidados como el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), demuestra que puede ofrecer garantías logísticas y técnicas para eventos de gran magnitud, al mismo tiempo que refuerza su visibilidad cultural y turística.
El gobierno del estado ha buscado que los Ariel sirvan también como plataforma de promoción turística, vinculando cine, cultura y visitantes; la cobertura mediática que genera el evento, junto con los atractivos turísticos de Puerto Vallarta, amplifica la proyección del estado en el ámbito nacional e internacional.
Esta política contempla además la diversificación dentro del propio territorio jalisciense: si bien los premios se han celebrado en Guadalajara y ahora en Puerto Vallarta, la intención es rotar la sede dentro del estado en futuras ediciones, mostrando así la variedad de escenarios y consolidando a Jalisco como un punto neurálgico del cine mexicano contemporáneo.
Entre las películas nominadas, Pedro Páramo de Rodrigo Prieto se consolidó como una de las favoritas, obteniendo 17 nominaciones. La ópera prima de Prieto es una adaptación de la emblemática novela de Juan Rulfo que fusiona el realismo mágico con una estética cinematográfica contemporánea, aprovechando la experiencia del director como director de fotografía.
Su propuesta visual busca capturar la atmósfera surrealista de la obra literaria, y cada encuadre, cada composición lumínica, remite a la memoria de un México lleno de fantasmas y ecos del pasado. Prieto logra, con sorprendente soltura para un debut en la dirección, trasladar la intensidad emocional y la ambigüedad de los personajes a la pantalla, mostrando un cine que dialoga tanto con la tradición literaria como con el lenguaje cinematográfico moderno.
La Cocina, dirigida por Alonso Ruizpalacios, también acaparó la atención de la crítica y del público, con 15 nominaciones en diversas categorías. Ruizpalacios, conocido por su capacidad de mezclar humor, crítica social y frescura narrativa, invita a explorar las dinámicas de poder y género en un contexto culinario, donde la cocina se convierte en un microcosmos de tensiones, aspiraciones y secretos.
La dirección de Ruizpalacios se distingue por su ritmo ágil, su atención al detalle y la manera en que los personajes se despliegan en un espacio aparentemente cotidiano, transformando lo familiar en un escenario de reflexión sobre la sociedad contemporánea mexicana.
Sujo, codirigida por Fernanda Valadez y Astrid Rondero, recibió 13 nominaciones y ofrece una mirada íntima y profunda a la búsqueda de identidad de una joven que enfrenta los retos de la migración y la pertenencia. Valadez y Rondero despliegan un estilo cinematográfico sensible, que combina la narrativa íntima con un fuerte compromiso social.
La película se mueve entre el drama personal y la denuncia de condiciones sociales, logrando un equilibrio entre emoción y reflexión, mientras invita al espectador a contemplar los dilemas humanos y la construcción de la identidad frente a contextos adversos.
Corina, de Úrsula Barba Hopfner, con 9 nominaciones, centra su historia en las complejidades de las relaciones humanas y la búsqueda de la verdad en la interacción entre sus personajes. Hopfner demuestra un manejo refinado de la introspección dramática y una capacidad notable para capturar la esencia de cada individuo, explorando cómo los deseos, miedos y secretos moldean las decisiones y la convivencia. Su dirección, delicada y precisa, pone en primer plano la psicología de los personajes y transforma la narrativa en un examen de la condición humana contemporánea.
Finalmente, Un actor malo, que obtuvo 5 nominaciones, se destaca por su reflexión sobre la identidad, la percepción pública y los conflictos entre la vida personal y la fama. La película combina elementos de comedia y drama con un estilo original y arriesgado, mostrando cómo la construcción de la imagen propia y la exposición ante los demás pueden convertirse en territorio de exploración artística y social. Su dirección, creativa y audaz, logra mantener la tensión entre humor, ironía y crítica, permitiendo al espectador identificarse con los dilemas del protagonista y reflexionar sobre el espectáculo de la vida pública.
El conjunto de estas películas refleja la diversidad y riqueza del cine mexicano contemporáneo. Cada una de ellas ofrece una perspectiva única sobre temas universales como la identidad, el poder, la migración y las relaciones humanas, evidenciando la capacidad del cine nacional para dialogar con su contexto histórico y social. La crítica y la audiencia han reconocido que, más allá de la técnica y la narrativa, estas producciones invitan a la reflexión y al cuestionamiento, ofreciendo miradas que son tanto íntimas como colectivas, particulares y universales.
Los nominados a los Premios Ariel ponen de manifiesto la evolución y el dinamismo de la industria mexicana. Las películas y sus directores son la muestra de que el cine mexicano continúa siendo un espacio de innovación, reflexión y expresión artística que resuena dentro y fuera del país, consolidando su relevancia en el panorama global.
– Por Redacción Conciencia Pública
Cada 14 de septiembre México rinde homenaje a una de sus tradiciones más representativas: la charrería.
El Día Nacional del Charro fue instaurado en 1934 como una manera de reconocer al charro como figura central de la identidad mexicana y al mismo tiempo consolidar este deporte ecuestre como una práctica cultural de enorme arraigo.
Esta celebración se vive en todo el país, desde los lienzos charros hasta las plazas públicas, con un ambiente que enlaza historia, destreza y orgullo patrio.
En redes sociales, la fecha adquiere una fuerza particular. Hashtags como #DíaDelCharro y #DíaNacionalDelCharro agrupan miles de publicaciones en X, Facebook, TikTok e Instagram.
Usuarios comparten fotos de trajes bordados, sombreros de ala ancha, montas de caballos y suertes espectaculares como manganas, coleaderos o el paso de la muerte.
También abundan los mensajes de autoridades, artistas y asociaciones que felicitan a los charros y escaramuzas, exaltando el valor de mantener vivas las costumbres.
La Federación Mexicana de Charrería y la Asociación Nacional de Charros son protagonistas en la promoción de actividades conmemorativas.
Desde sus cuentas oficiales en internet se difunden la agenda de charreadas, congresos y campeonatos que se desarrollan en distintos estados del país.
Las escaramuzas, grupos femeninos que ejecutan rutinas a caballo con precisión y estética, se han vuelto además un símbolo de inclusión y disciplina dentro de esta disciplina reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial desde 2016.
En municipios y capitales estatales (Guadalajara no es la excepción), el Día del Charro se acompaña de desfiles, exhibiciones y actos solemnes. No faltarán hoy los honores a la bandera ni los espectáculos ecuestres que refuerzan el vínculo entre tradición y mexicanidad.
La fecha, además, se sitúa estratégicamente en la antesala de las Fiestas Patrias, lo que le otorga un carácter doblemente simbólico: recordar el legado charro y enmarcar la conmemoración de la Independencia.
En la esfera digital, las publicaciones destacan tanto la herencia familiar como la profesionalización del deporte.
Muchos jóvenes charros y escaramuzas utilizan hoy en día redes TikTok e Instagram para mostrar rutinas, vestimentas y entrenamientos, contribuyendo a que nuevas generaciones se acerquen a la charrería.
Esa combinación entre tradición e innovación ha hecho que la conversación en línea sea particularmente activa, alcanzando públicos que van más allá de los asistentes habituales a los lienzos.
Así, el Día Nacional del Charro se mantiene como una de las celebraciones más singulares del calendario mexicano: una fusión de historia, arte ecuestre y pasión comunitaria.
La charrería no solo sigue viva, sino que se adapta a los tiempos modernos sin perder su esencia.
En cada suerte, en cada traje de gala y en cada caballo brioso, resuena el eco de una tradición que México reconoce como suya y que proyecta al mundo como parte de su identidad.
– Por Redacción Conciencia Pública
La legendaria actriz estadounidense Kim Novak, conocida por su papel en Vértigo del también legendario director Alfred Hitchcock, recibió el León de Oro por su trayectoria en la 82ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, este lunes 1 de septiembre de 2025.
A sus 92 años, Novak hizo una rara aparición pública para aceptar este prestigioso reconocimiento, presentado por el director mexicano Guillermo del Toro.
Durante la ceremonia, Novak fue ovacionada de pie durante ocho minutos. En su discurso, expresó su preocupación por la situación mundial actual y abogó por la unidad y la creatividad para salvar las democracias.
La entrega del premio coincidió con el estreno del documental El vértigo de Kim Novak, dirigido por Alexandre O. Philippe y producido por su amiga y representante Sue Cameron. El documental ofrece una mirada íntima a su vida, explorando su infancia difícil, su lucha contra el trastorno bipolar y su decisión de alejarse de Hollywood en los años 80 para preservar su identidad.
Además, Novak expresó su desconfianza hacia una próxima película biográfica sobre su vida que protagonizará Sydney Sweeney, mostrando reservas sobre cómo será retratada en la cinta.
Este reconocimiento en Venecia reafirma el legado de Kim Novak como una figura icónica del cine clásico y una mujer que ha luchado por mantener su autenticidad a lo largo de su vida.
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