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CULTURA

«Buscamos el impresionismo actual»: Karlos Ibarra, el artista que pinta los colores de la calle

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Por Gabriel Ibarra Bourjac //

Karlos Ibarra es un joven artista plástico que a sus 25 años de edad se ha hecho notar con su propuesta que reflejan la problemática social que se plasma en los muros, rincones, bardas y callejones de la ciudad que son gritos de desesperación, a la vez es denuncia, es impotencia, dolor, ira y tantos sentimientos más.

Tiene tres años de pintar, suele recorrer los barrios, observar las calles de la ciudad. “Soy muy realista, siempre me ha gustado la ciudad en que vivo, he sido observador de temas sociales, como las manifestaciones, los muros intervenidos que tienen un un lenguaje que decir, cada pared que te encuentras en las calles te hablan de un tema, me gusta esa onda”, expresa Karlos.

“Soy como una reinterpretación, me gusta que los mismos materiales de un muro como el cemento, las arenas, las tierras, las implemento en mi obra, usando materiales no convencionales en la plástica, para que estén puestos en la obra, hacemos una semejanza de un muro en mi lienzo”, señala el joven artista que a los 22 años se graduó de Artes Plásticas, cuya vocación la manifestó a los 10 años y mucho de ellos se lo debe a su hermana que es arquitecta y quien lo jala al mundo del arte.

BUSCAMOS EL IMPRESIONISMO ACTUAL”

¿Cómo describes tu estilo?

“Es como si fuera un impresionismo contemporáneo, no buscamos el realismo, buscamos el impresionismo actual de una pieza, buscamos el impacto social de un grafiti, de un aerosol, de algo que ya está en el mundo y llevarlo al lienzo”.

Esa conciencia social crítica, ¿cómo se fue generando?

“Se fue generando porque a partir de las cosas que observo en la calle las tomamos de premisa para deconstruirlas y sacar una nueva imagen que te introduce al tema de lo que hay en la ciudad, con diferente narrativa visual, a veces el letrero de localizado que vemos en cada esquina de personas desaparecidas, no es pintar a la persona desaparecida sino la propia palabra de localizado la plasmas, la metes a tu lienzo y con eso te da a entender el poder, la fuerza que tiene la palabra actualmente en el imaginario colectivo, personas que diario vemos y observamos, esa palabra roja que nos aparece desde que nos despertamos en nuestro teléfono, ahora es el hijo de mi amiga que se perdió, hay que compartirlo, ese localizado nos lleva a muchas cosas, es una palabra fuerte, que utilizo a conciencia para que esté dentro de mi lienzo, no hay sangre, no hay violencia, pero sí hay palabritas que nos conectan socialmente con el imaginario colectivo de todas las personas que vemos a diario”.

Eres joven, con una conciencia crítica y madura, ¿cómo se ha ido construyendo?

“A partir de la deconstrucción, hay cosas que expresar en el arte, pero hay que ir depurando nuestra conciencia para ir agarrando temática e ir hilando nuestra propia obra artística, hacer como una línea del tiempo y vamos ahora si sacando poco a poco, depurando cosas, para llegar a una línea más pura de una imagen artística. En lo personal estoy clavado con el tema de la calle, con un producto nuevo que viene siendo más que nada una paleta de colores auténtica”.

Son los colores de la calle…

“Son los colores de la calle, somos muy básicos, utilizo mucho el blanco, el gris que tienen todos los muros de cemento, a partir de ahí vamos trabajando con la imagen. Soy muy iconográfico, la misma iconografía del arte sacro que un sector muy amplio de la sociedad se identifica, como rostros de vírgenes, que nos conecta, la idea es conectar con el espectador en todos los sentidos, a veces soy de pintar literal lo que viene siendo un fragmento de calles, de arquitectura urbana que nos identifica, puede ser una barda, una esquina, un edificio en ruinas, son imágenes sugerentes porque la idea es que el espectador les de su propia interpretación, hay personas que se identifican con las paredes, utilizo muchas niñas, porque este personaje femenino nos habla de la pureza y hace un contraste”.

¿Caminas la ciudad?

“Soy muy observador, suelo sacar mucha fotografía de las calles, de los sucesos, a veces el mismo periódico me regala imágenes extraordinarias, hace algunos años hubo una manifestación con patrullas quemadas, a partir de ahí surgió una serie de obras, que me dieron toda una línea de trabajo, yo no invento nada, plasmo la realidad a manera de nuestra propia interpretación, soy reinterpretador de la realidad”.

LA REALIDAD SUPERA LA FICCIÓN

La realidad supera a la ficción…

“La realidad supera a la ficción y el arte lo interpreta. La idea es que la persona que observe la pieza tenga su propio criterio de observar, hay personas que se clavan mucho en una pieza porque les hace pensar, recordar, meterse a la pieza, muchas personas se identifican con el momento, otras lo reinterpretan a su manera, puede ser que una persona le de totalmente un giro a la pieza porque lo hizo irse a su infancia, la gente viaja mucho con las imágenes”.

¿No tienes límites para tu obra?

“No hay límites, nosotros podríamos pintar muchas obras todos los días, pero también es cuestión de depurar para tratar de buscar una sustancia más de calidad, hay mucho que pintar, pero también sentarte a meditar y reflexionar, para que las obras que saque sean más auténticas, no me gusta la sangre ni la muerte, pero son parte de mis temas”.

¿Cómo abordas un tema tan crudo como el de los desaparecidos?

“Abordamos con mucho respeto, simplemente el tema es doloroso, es crudo, pero el arte también viene a eso, a generar conciencia, también a generar belleza, la idea es buscar un equilibrio entra la conciencia y la belleza, también lo crudo es bello, los que estudiamos un poco a esos artistas del siglo 20, son crudos, pero nunca hay que dejar de lado la composición, el color, para poder dar ese giro que termina siendo bello a pesar de ser crudo”.

Que tragedia la que vive la sociedad…

“Es una tragedia muy dura, no pretendo como artista hacer ninguna crítica social, simplemente es como si fuera un espejo de la sociedad, subrayarlo, no dejarlo de lado, no podemos esconder lo que está pasando en la sociedad, como artista lo reinterpretamos, se lo ponemos al espectador, que decide qué hacer con esa imagen, a dónde llevarla, qué tipo de reflexión hacer, somos un espejo de la sociedad”.

¿Cuánto te tardas en hacer tus obras?

“Creo que lo más difícil es concentrarme en qué vamos a pintar, es como una depuración, es sentarte a pensar en bajar ideas, acomodarlas, elegir las que vamos a seguir, ya la producción es más rápido, hay piezas que se ejecutan en 5, 8, 15 días dependiendo la complejidad de las piezas, hay obras que las trabajo más realistas, hay obras que se trabajan más impresionistas para fabricar toda una narrativa, utilizo muchos materiales no convencionales que nos generan partes, la gente piensa que son partes de un muro, cemento, arenas, tierra, parece un pedacito de muro dentro del lienzo, a veces tardo un mes”.

¿Cómo llegaste a usar esos materiales?

“Es parte del proceso creativo, somos inquietos en buscar nuevos materiales, he tenido muchos maestros de la plástica que me han ayudado, como Armando Meléndez, Eduardo Mejorada, que nos han ayudado a la experimentación, somos experimentales en ese tema, no nos clavamos con los materiales convencionales, el oleo es rico, el acrílico también, pero todos los días estamos en busca de experimentar, con polímeros, con polvos, cosas que te encuentras en la ferretería, clavadísimos con hacer de todo, eso es lo rico de un artista, con cosas tan básicas a veces ni siquiera usamos el pincel, con todas las cosas que pueda haber en un taller tratamos de producir nuevas imágenes y productos”.

¿Cómo se manifiestan los monstruos en tu interior?

“Las artes plásticas es todo un rollo, mucha gente dice que está alejada del tema, en tu día a día nadie piensa en las artes, nadie se para a leer un poema, a visitar una galería, no es algo común porque tenemos la vida ocupadísima, muy agitada, pero cuando se vienen temas difíciles, se te muere un hijo, te secuestran, las cosas que te sacuden es cuando entran las crisis, cuando hay grandes crisis no sabes qué hacer con la vida, el arte es como el suero de una cruda colectiva, el arte viene a salvar este tipo de temas, como algo vital, porque es el que te da salida y rescate a estos temas”.

En el caminar de las calles ves rostros de una sociedad diferente, sin glamour…

“A final de cuentas no es solo vivir en el dolor, es hacerte sensible, armarte una catarsis para que te puedas transformar, este tipo de temas te hace sensible, te lleva a darte cuenta que la vida es pasajera, no tenemos la eternidad, cuando entiendes la vida te pones más sensible, te metes a este rollo de bajarle a los niveles de aceleración, te das cuenta que no todo es lo que está en el glamour, en el dinero, en el éxito, también te das cuenta que el éxito también es tener una mente tranquila, una paz mental, te lleva a otros temas de meditación, buscar estar bien contigo mismo, simplemente esos rostros que decimos de la sociedad tan golpeada y agredida, es poder darle la vuelta a la página con este tipo de temas, con el arte, con la meditación, buscar esta catarsis y transformarte”.

¿Qué buscas con tu arte?

“Busco hasta mi propio rescate, a mí el arte me ha dado muchísima paz, me mantiene vivo, el mundo es tan acelerado que te da piso, te salva, te da sentido, el arte es todo un generador de conciencia, de todo”.

¿Cómo va tu grado de satisfacción en este caminar?

“Me siento satisfecho de lo que he hecho, como artista buscamos más, no busco el éxito personal, pero sí llevar la obra a todo lo que se pueda, como artista todos los días vamos creciendo, me gusta estar en movimiento, tocar puertas, llevar mi obra a todos los contextos que se puedan”.

LA OBRA YA CRUZÓ FRONTERAS

Está teniendo buena respuesta tu propuesta…

“Ha sido bien recibida en muchos espacios, he tenido mercado en Los Cabos, Ciudad de México, aquí en mi ciudad Guadalajara, mi obra ha cruzado fronteras, se ha ido a España, Paris, Canadá, por ahí se mandaron algunas piezas a Toronto, otras a Chicago, ha tenido movimiento, soy agradecido con eso, son cosas que no las esperas pero te llegan, me da mucho gusto que las piezas crucen fronteras porque quiere decir que estos temas que trabajamos no son únicamente locales, son globales porque todo el mundo vive este tema de las catarsis, todo el mundo está sacado de onda con la pandemia, con las crisis, en todo el mundo hay dolor colectivo de todo lo que sucede.

Tu propuesta es ad hoc para estos tiempos…

“No buscamos el tema realista del artista del siglo 20, simplemente queremos ser un artista del siglo actual, con temas que la gente pueda entender, se pueda sentir identificada y que las obras sean un impresionismo de lo que se vive actualmente, en ningún lugar del mundo estamos ajenos a nada, estamos conectados con la tecnología, con lo que se vive, eso está padre porque no somos artistas de un lugar local, somos parte de la globalización, lo interpretamos a nuestra manera, en todo el mundo se puede ver nuestra obra”.

¿Qué esperarías para el futuro?

“Como artista estamos abiertos a todos los proyectos, no pretendo quedarme simplemente en producir obra lienzo, buscamos conectar con la actualidad, me encantaría tener obras en diferentes espacios que el mundo nos ofrece, hemos estado en París, otros lugares, también pretendemos conectar, estaría padre producir obra con tecnología actual, se habla de la inteligencia artificial, poco a poco queremos estar en los escaparates que a actualidad nos ofrece”, puntualizó.

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Edición 804: Lo piden los expertos: Una nueva Corte de Justicia sin extremos ideológicos

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CULTURA

El Mazapán Parade 2026 arranca con sabor a México: La trascendencia cultural de este alimento

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– Por Francisco Junco

Con un aire festivo y lleno de orgullo local, se dio el banderazo oficial del Mazapán Parade, un evento que busca rendir homenaje al dulce más emblemático de la ciudad y, al mismo tiempo, proyectar a la capital jalisciense al mundo como una tierra de tradición e innovación cultural.

La iniciativa no solo celebra al mazapán como ícono de identidad tapatía, sino que también abre un espacio para la creatividad, el arte urbano y la convivencia social, con decenas de piezas monumentales intervenidas por artistas locales y nacionales que transformarán las calles en un museo al aire libre.

Fue la tarde del jueves 21 de agosto cuando Tlajomulco tenía un aire festivo, desde el primer momento en que los invitados comenzaron a llegar. Las sonrisas y los abrazos llenaban el salón, en la sede de la fábrica de Dulces de la Rosa, donde todo estaba dispuesto para el lanzamiento de un evento que promete dejar huella.

En el centro de la celebración, Enrique Michel, vestido de negro con una sobriedad elegante, irradiaba alegría. Se le veía emocionado, repartiendo saludos, como anfitrión que abre las puertas de su casa para honrar a la cultura mexicana, representada, en un dulce, que ya forma parte de la memoria colectiva.

A su lado, con la serenidad de quien sabe que está sosteniendo un proyecto de gran trascendencia, María Laura Anaya lucía un vestido rojo que resaltaba con fuerza entre el ambiente decorado con motivos mexicanos. Ella, consejera de la Fundación Enrique Michel Velasco, se movía entre los invitados con un aire de gratitud, consciente de que lo que estaban a punto de anunciar se convertiría en un hito artístico y cultural para Jalisco.

La celebración tenía un sello profundamente mexicano. El banquete, pensado al detalle, buscaba rendir homenaje a las raíces de la región, a la cocina tradicional que ha acompañado las fiestas familiares y populares durante generaciones.

El ambiente se encendió cuando el Mariachi Oro y Plata arrancó con los primeros acordes de “Viva el Mariachi” y “El son de la negra”. La música vibraba en el corazón del salón. También el grupo norteño “Alegres de Tlajo” subió al escenario para mantener vivo el ánimo festivo.

En medio de este ambiente, Enrique Michel explicó el propósito del Mazapán Parade 2026 y aseguró que “vamos a tener una serie de mazapanes en diferentes avenidas, en el aeropuerto, y en los estadios de fútbol”, detalló, subrayando la dimensión que tendrá el proyecto, pensado para coincidir con el Mundial del próximo año.

La iniciativa no se limita a la exhibición, como explicó Michel Velasco, la idea busca que el mazapán trascienda como un símbolo cultural. “Esto lo estamos haciendo para celebrar a uno de los mejores artistas que tiene la escultura”, afirmó.

Para él, la importancia radica en que los visitantes del Mundial encuentren un punto en común que los acerque a México. “Que es precisamente el mazapán”, señaló.

Y es que después de más de cincuenta años de esfuerzo, la empresa cuenta con certificaciones internacionales que le abren las puertas a todo el mundo. “Tengo ISOS que nos dan la puerta abierta a todo el mundo. Me siento muy contento, orgulloso y satisfecho, porque sobrinos, hijos, siguen aquí creciendo la fábrica”, compartió con un brillo especial en los ojos, reflejo del legado familiar en marcha.

El orgullo también se mide en cifras. Actualmente, Dulces de la Rosa genera más de siete mil empleos, de los cuales tres mil 100 corresponden a la planta más grande de Latinoamérica en su ramo. No se trata sólo de dulces, se trata de trabajo, estabilidad y futuro para miles de familias, afirmó el director general de Dulces de la Rosa.

María Laura Anaya, explicó el trasfondo del proyecto y aseguró que “el objetivo del Mazapán Parade es acercar la cultura a través del arte, y con ello vinculamos la educación”.

Añadió que el festival contará con quince esculturas de mazapán intervenidas por artistas plásticos de renombre. “Estamos muy contentos por la apertura del gremio artístico y la confianza en el legado del señor Michel”, afirmó.

La lista de participantes es internacional. Entre ellos destacaba Aram Cortez, que celebraba quince años de trayectoria artística, y el príncipe Lorenzo de Médici, quien viajará desde Italia para intervenir una de las piezas, que después se exhibirá en la fundación de su familia.

Esto es internacional”, dijo con énfasis María Laura, “el continente está presente: Chile, México y Europa. Vamos a celebrar el Día Internacional del Mazapán el 24 de enero y será una caravana por todo Jalisco, después por otros estados y luego Estados Unidos”.

Llegó entonces el turno de Aram Cortez, quien habló con emoción contenida. Y apuntó que “este proyecto nació en mi mente por allá del 2019, como un sueño lejano, pero poco a poco fue tomando forma gracias a la confianza del señor Enrique Michel y de María Laura”, dijo.

Después, Ignacio Gana, reconocido escultor chileno, tomó la palabra y dijo que para él “el arte es el bálsamo de la vida. Es alimento para el espíritu y lo que ha hecho don Enrique a través de esta convocatoria es dejar un legado”.

El artista comparó la trascendencia del arte con los testimonios históricos de la humanidad. “El arte es el mejor ejemplo para dejarle a las nuevas generaciones una muestra de cómo se hacen las cosas con amor, como lo ha hecho don Enrique”.

El mazapán, en ese instante, se convertía en un símbolo de unidad. Lo que nació como un experimento en un taller sencillo, hoy se había transformado en un emblema de México que se exporta a 38 países.

Alfonso Martorell, en representación del gobernador Pablo Lemus, tomó la palabra para reconocer la trayectoria de Michel. “Queremos agradecer de manera muy especial a don Enrique Michel, quien con su visión ha logrado que un dulce tan sencillo se convierta en un emblema de México y del mundo”, expresó con solemnidad.

Martorell destacó que el Mazapán Parade es reflejo de lo que representa Jalisco, raíces firmes, cultura viva y la capacidad de compartir con el mundo lo mejor de sus pueblos mágicos, su arte y su gastronomía.

Cuando llegó el turno final de Enrique Michel, el empresario habló con sencillez y emoción. “Les agradezco mucho que estén aquí y que formen parte de este grupo que quiere hacer el bien a la sociedad”, dijo, cerrando un ciclo de discursos que había estado cargado de gratitud y esperanza.

Y así, entre música de mariachi, platillos tradicionales y cocteles de mazapán, el Mazapán Parade 2026 dio su banderazo de salida. Una fiesta mexicana que reunió arte, cultura y orgullo, y que promete llevar a Jalisco y a México más allá de sus fronteras, con un dulce que se ha ganado un lugar en el corazón del mundo.

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CULTURA

Clásico del teatro estadounidense: Un tranvía llamado deseo, minimalismo y pasión en escena

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– Conciencia en la Cultura, por Luis Ignacio Arias

Un tranvía llamado deseo se presentó en el Conjunto Santander, la dirección estuvo cargo de Diego del Río quien presenta una puesta en escena minimalista; una tarima vacía en medio del escenario y su izquierda; discreta, disimulada, casi perdida en la sombra, una pianola.

No hay un telón que divida la realidad de la representación, no se guardan secretos entre el público y los actores, quienes en ningún momento abandonan el escenario; lo que se ve es lo que hay, sin música o efectos grabados. Los números musicales son interpretados y musicalizados en vivo por el grupo actoral utilizando la pianola, un banjo y una armónica, que crean un ambiente pasional, irracional, impredecible y caótico que tanto caracterizan al jazz.

Toda la atención está dirigida a la tarima, con luces cálidas sobre ella, las cuales, junto con la música, recrean el calor, la pasión de Nueva Orleans y los personajes que ahí dan vida a uno de los dramas más famosos en la historia del teatro. Una vez que los actores hacen su aparición, comienza el encanto, cada uno recorre la tarima, hace suyo el espacio y prepara al público hasta que todo inicia con la aparición de Blanche DuBois quien busca a su hermana Stella.

Blanche es interpretada por Marina De Tavira, con una actuación que oscila entre la fragilidad y la manipulación, ambigüedad que define al personaje de Blanche y las relaciones que ella forman con las personas a su alrededor, su presencia es lo que impulsa al resto de personajes, la actuación de Marina De Tavira es la base sobre la que se cimienta la obra.

Astrid Mariel Romo interpreta a Stella, la cual está casada con Stanley Kowalski, interpretado por Rodrigo Virago. Ellos viven en el barrio obrero de Elysian Fields, y es ahí, montada en un tranvía llamado deseo a donde llega Blanche.

La relación entre los tres es turbia; son opuestos que se atraen, se necesitan para ser. Blanche y Stella tienen ascendencia francesa, pertenecen a la clase burguesa, la cual entró en crisis a causa de la Revolución Industrial, la Segunda Guerra Mundial y la naciente clase media.

Las hermanas representan el conflicto social que se daba a finales de los 40s y durante los 50s, en pleno declive de la clase burguesa, desplazada por los nacientes capitalistas, las tierras perdieron valor frente a las fábricas, dando lugar a un nuevo orden, donde los capitalistas ocupan la cima de la pirámide social y se ve nacer un nuevo grupo, la clase media.

Blanche le cuenta a su hermana que han perdido la plantación familiar, llamada Belle Rêve (Hermoso Sueño, en francés); esto es, el fin del sueño burgués, el cual ha quedado reducido a un apellido, sus costumbres y su dignidad, que es lo único que llena la maleta de Blanche.

En México, por ejemplo, con el fin del porfiriato, muchas familias burguesas caídas en desgracia económica fueron rescatadas al casar a sus hijas con empresarios, los cuales ofrecían dinero a cambio del apellido, la educación y los contactos de los burgueses.

Por su parte, Stella, la hermana menor, está casada con un obrero, lleva años lejos de su familia y no aspira a recuperar las glorias pasadas, sino que se adaptó al cambio, abrazó a la clase trabajadora al casarse con Stanley. Stella es la transición; ya no se trata de una dama, refinada, elegante y conservadora, como busca ser Blanche, sino de una mujer que se encarga de que el hogar funcione, sin contar con fortunas o criados que la respalden, únicamente con su ingenio y el sueldo del esposo.

Stanley pertenece a la oleada de migrantes que llegó a Estados Unidos después de la 2 Guerra Mundial, cuando el trabajo en el campo dejó su lugar al trabajo en las fábricas. Los obreros se convierten en el motor económico, son duros, resistentes y sin mayores aspiraciones que cobrar su sueldo, beber y jugar. Stanley es un hombre de su tiempo; rudo, tosco, intransigente, lo que hoy se denomina machista.

Su primera aparición se da al salir del trabajo cuando le da un paquete con carne a Stella, anunciándole que irá a los bolos; ella le pregunta si puede acompañarlo. Ahí está, reducida, toda la dinámica de la época.

Un tranvía llamado deseo, escrita por Tennessee Williams, es la más importante de sus obras, cuyo valor proviene de la capacidad de retratar no solo la dinámica de su época, sino todas las contradicciones, vicios y deseos que existen tras ella.

Stanley no es el caballero que enamora por su trato, como el Señor Darcy en Orgullo y prejuicio; es algo más salvaje, animal; por ello aparece en escena sin camisa o solo en bóxer, provocando a las hermanas. Stella siente hacia él una atracción sexual; no es un encanto romántico, es el instinto animal. Mientras que él siente fascinación y rechazo por Blanche, como algo sagrado que puede profanar.

Un tranvía llamado deseo se caracteriza por su realismo psicológico, explorando la mente y los sentimientos de sus personajes. El mérito de la obra radica en la profundidad de sus personajes, especialmente femeninos, y en la capacidad de volver conflictos sociales particulares en algo universal.

Su lenguaje poético, la intensidad dramática y la innovación teatral la consolidaron como un clásico del teatro estadounidense, reconociendo a su autor con el Premio Pulitzer de Drama en 1948, y su influencia sigue vigente en el trabajo de Diego del Río, las actuaciones de Marina De Tavira, Astrid Mariel, Rodrigo Virago, Alejandro Morales, María Filippin, Andrés Penella, Federico Di Lorenzo, Diego Medel, Diego Santana y Paty Vaca.

 

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